La segunda temporada de The Masked Singer SA fue uno de los programas musicales de TV más exitosos de 2024, transmitido por SABC y con un destacado diseño de iluminación creado por dos de los profesionales más talentosos del país, Ryan Lombard y Joshua Cutts. Su diseño se basó en 150 luces móviles de Robe.
Toda la producción técnica fue suministrada por Blond Productions para la serie, que se grabó en el estudio Studios on Harley, en Randburg, al norte de Johannesburgo.
Ryan y Josh ya habían trabajado juntos en Family Feud y SA’s Got Talent, así que tenía sentido que volvieran a unir sus grandes mentes en The Masked Singer SA para darle un aspecto e identidad únicos. Con Josh incorporado también como diseñador, Ryan realizó algunos ajustes al diseño original basados en lo aprendido durante la temporada 1. Josh revisó estas modificaciones, añadió sus propias ideas y retoques finales y creó múltiples nuevos looks de iluminación llenos de dramatismo y estilo. Josh supervisó la instalación de la iluminación, programó y comenzó controlando la operación en las primeras emisiones, mientras que Ryan llegó después de finalizar compromisos previos y retomó el control.
El equipo de Robe incluyó: 12 x ESPRITES, 12 x MMX Spots, 12 x 600E Beams, 48 x LEDBeam 100, 12 x miniPointes, 24 x CycFX4, seis LEDWash 300, 24 x LEDBeam 350 (recientemente adquiridas por Blond para la producción), 12 x iSpiider wash-beams y cuatro MegaPointes, además de un sistema RoboSpot que controlaba las ESPRITES seleccionadas.
Ryan ha trabajado con productos de Robe durante la última década de su carrera, y son siempre la opción principal para él. Por su parte, Blond invierte cada año de forma constante en equipos de Robe, suministrados a través del distribuidor sudafricano DWR.
Las ESPRITES fueron un elemento clave del diseño, utilizadas para seguir a los artistas durante las actuaciones, lo que permitió a Ryan y Josh reducir los niveles generales de luz y lograr mayor profundidad con efectos de separación en múltiples capas.
Me encantan las ESPRITES por su brillo, sus colores (incluyendo la gama de blancos) y por la calidad general de la luz. También fueron nuestra luz frontal ‘quirúrgica’ esencial, que ayudó a centrar la atención en las enormes máscaras escénicas que formaban parte del set. ¡Nos encantan estas luminarias por el control adicional que ofrecen en una situación como esta!, afirmó Ryan.
Las iSpiiders y las LEDWash 300 se usaron como iluminación frontal y para bañar al público, además de crear efectos de contraluz y luz frontal específicos. A veces se complementaban con las LEDBeam 350 en modo wash. Las LEDBeam 350 también se utilizaron como haces tradicionales.
Las MMX Spots siguen siendo de los equipos más utilizados en el inventario de Blond y a Ryan le gustan mucho. Se emplearon para la iluminación lateral y la proyección de bonitos patrones de gobo en el escenario, además de reforzar la iluminación de las máscaras en algunos números, realzando la proyección de imágenes.“Como siempre, fueron una herramienta muy polivalente”, afirmó Ryan.
Las 600E Beams se colocaron de manera estratégica para proyectar haces de luz y sumar impacto visual, mientras que las CycFX4 generaban efectos luminosos y de píxel detrás del público, añadiendo profundidad y dinamismo al conjunto.
Las miniPointes se instalaron detrás de las máscaras escénicas, generando espectaculares efectos de luz cada vez que las máscaras se abrían. Además, gracias a su diseño compacto, aportaron gran dinamismo al resto del escenario al producir potentes haces luminosos.
Gran parte de los programas se grabaron con antelación para preservar el misterio en torno a las celebridades que estaban detrás de las máscaras. Los 6 metros de altura del estudio resultaron un desafío a la hora de maximizar el espacio disponible.
La parrilla de iluminación del estudio se utilizó para colgar los equipos, aprovechándolos para crear numerosos ángulos de luz bajos que lucían increíbles en cámara, tanto en planos generales como en paneos, zooms y primeros planos. El escenario medía 900 mm de alto y las máscaras llegaban a los 4 metros, dejando menos de un metro libre para colocar las luminarias. “Apretado pero perfecto”, según describe Ryan.
“Los cálculos para determinar dónde colocar cada luminaria fueron muy complejos”, explicó Ryan. “Tenían que ser exactos”. La gran repercusión y popularidad del programa aumentó la presión en todos los departamentos para lograr un resultado épico. “Contar con esta amplia variedad de luminarias Robe nos ayudó a crear momentos inolvidables con un gran factor sorpresa”, añadió Ryan.
El diseño de escenario de Michael Gill incluía varios muros de vídeo con contenido gestionado a través de un media server (incluyendo escenas virtuales de iluminación creadas en Unreal Engine), todo disparado desde la consola de iluminación.
Ryan, Josh y Michael trabajaron para desarrollar la estética y asegurar que el valor de producción estuviera a la altura de la franquicia de The Masked Singer y de las expectativas de los productores Rose and Oaks. Fue fundamental la colaboración de Nico Potgieter, experto en el diseño asistido por ordenador, quien generó todos los archivos de visualización.
El calendario de grabación en el estudio era muy ajustado. Josh y Ryan programaban las canciones los fines de semana, adelantando tantas como fuera posible antes de las jornadas de grabación, que se realizaban de lunes a viernes. Disponían de un breve intervalo de tiempo al día para programar las canciones que no habían podido trabajar durante el fin de semana y también para aquellas que acababan de recibir. “Tuvimos que ser muy flexibles porque las cosas cambiaban constantemente”, comentó Ryan, agregando que, si bien era muy emocionante trabajar de este modo, ¡también implicaba desafíos!
“Josh fue increíble al dar inicio al programa”, comentó Ryan, agregando que, durante los primeros episodios, “estableció un nivel visual digno de estándares internacionales”. Pese a que cada uno tiene un estilo muy distinto al operar las consolas, Ryan describió su colaboración como “una gran experiencia de aprendizaje que podré aplicar en mis futuros proyectos”.
Se grababa un episodio al día durante 3 semanas, en las que se registraban 4 canciones diarias, sumando aproximadamente 24 canciones por semana. Una gran pantalla al fondo del escenario estaba flanqueada a izquierda y derecha por dos máscaras escénicas de 4 metros, un poco más hacia el frente. El panel de jueces se situaba frente a esto, a mitad de camino entre el fondo y la parte central del público, con otra pantalla detrás de ellos para mostrar logotipos y fondos en las tomas inversas.
Las proyecciones, gestionadas mediante dos media servers, se mapeaban sobre las dos máscaras escénicas, con contenido de vídeo (elementos CGI y gráficos) creado por Digital Union. La serie fue dirigida por Jonathan Bullen, quien asesoró y guio a los equipos visuales y supervisó los primeros episodios. Posteriormente, Nadia White —directora también en la temporada 1— asumió el mando.
La producción supuso una enorme mejora respecto a la temporada 1. Varios factores contribuyeron a ello, aumentando nuestras posibilidades de eficacia y creatividad, y fue genial contar con dos mentes en este proyecto, además de este equipo de Robe a nuestra disposición, concluyó Ryan.
Fotos: Rose & Oaks Media
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