"Veo la estatua en el mármol y voy quitando lo que sobra hasta liberarla", se dice que dijo Miguel Ángel. El genio del Renacimiento expresaba de esta manera un profundo deseo que ha impulsado a los creativos de todos los tiempos: eliminar las capas externas de expectativas para descubrir nuevas posibilidades.
Este sentimiento se refleja de forma magistral en la gira Peel It Back de Nine Inch Nails, cuyo nombre no podría ser más apropiado, y que concluyó su recorrido mundial de verano por 38 ciudades el 19 de septiembre en el Kia Forum. (la gira iniciará una segunda etapa por Norteamérica el 5 de febrero en Nueva Orleans). Aclamada de forma unánime por la crítica, que elogió su "notable ambición artística", la gira presenta un espectáculo en cuatro actos que revela con audacia nuevas ideas tanto en la música —como una reinterpretación más suave del inquietante tema Ruiner— como en el apartado visual, con un escenario cúbico tridimensional, tres escenarios y capas de luz que a menudo surgen desde el propio suelo.
El resultado de un intenso trabajo colaborativo entre el diseñador de iluminación Paul (Arlo) Guthrie; Todd Tourso y Mel Roy, de MTLA; y Cory Fitzgerald, de Silent House, la producción escénica elimina conceptos conocidos para sumergir al público en un viaje visual trascendental.
Este recorrido comienza en el escenario B de 360°, situado en el centro de la pista del recinto, donde Trent Reznor interpreta A Minute To Breathe iluminado por paneles de luz blanca suave OnAir Panel de CHAUVET Professional, para después dar paso a un auténtico despliegue visual en el escenario principal.
Guthrie, diseñador habitual de NIN, explicó cómo se gestó el concepto: desde 2017 teníamos una estética antitecnológica y sin vídeo, así que decidimos apostar por una producción de mayor escala para 'Peel It Back'. Todd, Mel y Cory propusieron inicialmente la idea de dos cubos. A lo largo de seis meses y tras experimentar con distintos materiales, evolucionamos hacia los conceptos de escenario A y escenario B, con scrims en el escenario A para el segundo acto de los cuatro.
"Utilizando proyección y una iluminación bastante minimalista, creamos el efecto tridimensional en capas que fue el eje del segundo acto, alineado con las canciones que Trent eligió para ese universo", continúa Guthrie. "Cuando regresamos al escenario A para el acto cuatro, utilicé los PXL Curves para crear láminas de luz y cortinas que aportaran dimensión a un escenario desnudo".
Guthrie señala que las 171 barras COLORado PXL Curve 12 de su sistema, suministradas por Upstaging en Estados Unidos y Neg Earth en Europa, son el núcleo del diseño en todos los escenarios. "Son la base del diseño y aportan ese aspecto lineal que define la estética del espectáculo", afirmó sobre los equipos de CHAUVET Professional. "Las utilizo en el sistema. Hay líneas paralelas sobre el escenario A para contraluces e iluminación cenital. Luego hay 21 montadas sobre rotadores para paneos y creación de diferentes formas en el aire. También se usan para iluminar al público y definieron el suelo del escenario B".
"Pude mapearlas y, mediante un patch de TouchDesigner desarrollado por Kyle Meredith, controlarlas directamente con el dedo desde un iPad", continuó Guthrie, quien operó el espectáculo, complejo y multifacético, sin recurrir a código de tiempo. "Permitieron crear planos de luz, persecuciones en forma de ondas, estructuras tipo jaula, luces de suelo, wash lights e iluminación general de sala… trabajaron al máximo".
Al modificar constantemente las formas geométricas creadas con sus luminarias PXL, así como los niveles de brillo, las zonas de oscuridad y el ritmo de los efectos estroboscópicos, Guthrie creó de manera magistral distintos estados de ánimo sobre el escenario.
Por suerte, cuento con una amplia variedad de herramientas a mi disposición, lo que me permite dar a cada canción una identidad visual propia. Cada uno de los cuatro actos del espectáculo incorpora su propio conjunto de sorpresas, que evolucionan de forma constante y van revelando nuevos elementos, señaló.
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