La diseñadora Jo Kilgour creó una iluminación audaz y elegante para Hatupatu/Kurungaituku: a forbidden love una obra de danza producida por la innovadora compañía de teatro kaupapa Māori de Aotearoa, Taki Rua Productions.
La obra, escrita por el director creativo Tānemahuta Gray y con Kapa Haka por Wētini Mītai-Ngātai, se estrenó en el Tãwhiri Warehouse en Wellington como parte del Festival de las Artes de Aotearoa Nueva Zelanda 2024.
Dieciocho T1 PC y 10 LEDWash 600 de Robe formaron parte integral del diseño de iluminación de Jo, suministrados para esta emocionante producción por la empresa de alquiler con sede en Wellington, Grouse Lighting, y gestionados por Cameron Nicholls con la ayuda de Riley Gibson.
La narrativa inmersiva se presentó en formato travesía, con el público de pie a ambos lados de una pasarela central de 1.5 metros de altura, relatando la historia del guerrero Hatupatu y la mujer pájaro Kurungaituku en un collage audaz y dramático de movimiento, acción y emoción visceral.
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Un truss central recorriendo la longitud de la pasarela en el techo y estructuras de andamios a ambos lados se utilizaron para facilitar el vuelo de los artistas, lo que dificultó la búsqueda de posiciones de iluminación viables. En un extremo había una pantalla de proyección trasera, con cuatro trusses paralelos al truss central (2 a cada lado) a lo largo del espacio para proporcionar posiciones adicionales de iluminación.
La altura máxima de 6.5 metros en el espacio más bajo del recorrido también influyó en la planificación de los departamentos técnicos: iluminación, rigging, sonido, vídeo, entre otros, quienes tuvieron que ajustarse a estas medidas. El equipo tuvo que adaptarse a las dimensiones del espacio y al truss central principal.
Jo trabajó en colaboración con el diseñador de escenografía John Verryt. Para la iluminación, necesitaba una solución potente que ofreciera muchas opciones, por lo que inmediatamente pensó en Grouse y sus luminarias T1 PC de Robe que había utilizado en proyectos anteriores.
El proceso de diseño incluyó un taller piloto en Tãwhiri Warehouse en noviembre de 2023 con el diseño completo del escenario y un cuarto de las luces requeridas en ese momento, para que Jo pudiera comprobar lo que funcionaba y lo que no era práctico.
El piloto confirmó que las luces con cabezas alargadas encima interferían demasiado en el espacio, por lo que se descartaron, y permitió identificar posiciones óptimas de rigging para las luces que no interfirieran con el acceso necesario para los artistas aéreos y los técnicos de escalada. Además, reafirmó su decisión de utilizar luces móviles.
La danza contemporánea es el género favorito de Jo para iluminar, y se enorgullece de hacerlo de manera única, impactante y más matizada, sin ser llamativa. Esto se ha convertido en su estilo y en su pasión absoluta.
El zoom de las T1 PC las convirtió en una opción popular para las posiciones "boom", montadas en las estructuras de andamios a solo 2.8 metros a cada lado del escenario en forma de pasarela. Para garantizar un control preciso y completo de la salida de luz, utilizó el modelador de haz interno (barn doors) para dirigir la luz con precisión lejos de los escaladores, el público y la pantalla de proyección. Ella valora el excelente rendimiento en color de la serie T1, que produce tonos de piel perfectos, y al ser LED, la salida era uniforme sin necesidad de cambios de bombillas. Además de la iluminación lateral, se utilizaron para efectos especiales en la estructura aérea y para iluminar todo el espacio.
Los 10 LEDWash 600 se instalaron en la parte superior y se usaron casi como luces de ambiente, para una cobertura uniforme general del espacio, bañándolo en una agradable luz. Aunque fue complicado contener la luz de la pantalla de proyección y del público debido a la baja altura y a veces considerables distancias y ángulos de sobreposición con los que trabajaban, el área de actuación necesitaba abrirse en ocasiones, por lo que el baño de luz y color ayudó a construir la atmósfera para algunas acrobacias aéreas épicas que fueron vitales para la energía y la narrativa de la pieza, convirtiéndola en una experiencia verdaderamente tridimensional.
El espectáculo de 75 minutos lleno de acción mostró momentos de gran belleza y serenidad contrastados con escenas de lucha crudas y agresivas, acompañadas por una brillante banda sonora compuesta por Paddy Free. Las cautivadoras imágenes de vídeo diseñadas por Artificial Imagination incluyeron mucho contenido de Rotorua, donde se desarrolla la historia. Un viaje de investigación les dio al equipo creativo la idea de mantener el lugar con neblina y bruma, utilizando mucho humo para imitar las actividades geotermales míticas presentes en la región.
Tener tantas luces móviles y otras luminarias extendió las posibilidades de iluminación, y contar con 9 días completos de ensayo de producción en Wellington con el elenco, antes del primer espectáculo, fue otro lujo para el equipo creativo.
La claridad de la visión estética de Tānemahuta Gray hizo que este objetivo fuera más accesible para el equipo. Jo programó el espectáculo antes de entregarlo a Cameron y Riley para la gira. Disfrutó de la oportunidad de estar más involucrada y de trabajar las sombras y los espacios negativos, además de iluminar. Una vez más, nos recuerda que la danza contemporánea es un excelente espacio para un pensamiento visual más experimental que estimula la imaginación e implica tomar riesgos para mejorar la fluidez del lenguaje.
Para ella, los numerosos y variados desafíos técnicos fueron una parte importante de la alegría de dar vida a Hatupatu/Kurungaituku, junto con el gran trabajo en equipo y la cooperación que crearon un espectáculo del cual todos estaban orgullosos, y que fue un gran éxito con el público.
Después de Wellington, la producción se presentó en el Q Theatre de Auckland, luego en el Museo de la Fuerza Aérea de Nueva Zelanda en Christchurch, antes de finalizar en el Energy Events Centre en Rotorua.
Créditos de las imágenes: Stephen A’Court Photography, Lauren Groundwater & Paul McLaughlin
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